Cold -Claire Coaché & Lisle Turner

 

La storia prende spunto dalla perdita di un bambino, trauma che ha colpito realmente la coppia di autori Coaché&Turner (che sono una coppia anche nella vita). Realizzato secondo i dettami che tanto piacciono al SAIFF ( budget ristretto, cura, attenzione e professionalità al servizio di un film che va al di là del desiderio di fare cassa al botteghino), incuriosisce già dalle prime inquadrature; per cominciare la scelta del rapporto di proporzioni, quel 4:3 che dona maggiore equilibrio compositivo all'inquadratura, una scelta tanto azzeccata quanto poco ispirata dalla moda corrente che a più riprese ne propone il recupero. Una scelta che si rivela funzionale all'aspetto pittorico del film stesso; caratterizzato da immagini che sono dei veri e propri dipinti dal sapore Caravaggesco (ma non solo, in alcuni passaggi sembra di vedere dei quadri di Rubens in movimento), il lavoro si distingue per una regia solida che schiva le difficoltà insite nel'adattare una pièpce teatrale per il cinema, e per una coppia di interpreti (Janet Etuk e Jacob Meadows) di livello internazionale che solo con le emozioni e gli sguardi sostiene l'intero film (film quasi muto). Ne abbiamo parlato con gli autori. 

1. Il film è nato da un trauma personale; tra le fortune di essere artisti nati (poche fortune in realtà nell'era moderna) c'è quella di poter usare l'arte per esorcizzare i propri demoni, e aiutare il pubblico che ha avuto esperienze simili a fare lo stesso. Secondo voi, il cinema può avere ancora una forza "umanistica" in un'epoca a prevalenza "scientifica"?

Dopo aver perso i nostri figli, Claire e io abbiamo sentito che dovevamo lavorare sull'esperienza. Era un imperativo emotivo. L'esperienza era stata semplicemente troppo dolorosa per rimanere inespressa, quindi la catarsi era l'obiettivo artistico specifico in questo caso. Volevo anche dire semplicemente addio ai nostri figli e che altre persone sapessero che di loro,della loro esistenza, per quanto breve. Il film mi ha permesso di fare entrambe queste cose. In un senso più generale, quando fai arte da un luogo di onestà emotiva, il pubblico risponde in modo gentile. Sentono quello che hai sentito tu. Se hanno esperienze simili si rendono conto di non essere soli in questo. Se non hanno un'esperienza simile, possono entrare comunque in empatia. Questa condivisione dell'esperienza umana attraverso un mezzo creativo crea i legami che tengono insieme la società. Né la scienza, né la politica né la religione sono riuscite a farlo con lo stesso successo dell'arte. Io faccio un film nel Regno Unito e tu lo guardi in Italia e siamo immediatamente connessi attraverso il tempo e lo spazio. La storia crea un ponte tra noi. Ci connettiamo attraverso l'arte del cinema. 

2. Cold è un dramma teatrale diventato cinematografico per cause di "forza maggiore"; in che modo il mezzo utilizzato alla fine ha contribuito a rafforzare l'opera originale?

Cold è una forma simbiotica e ibrida. È stato concepito, studiato, scritto, progettato e provato come un'opera teatrale. È stato poi preparato, illuminato, girato, montato, progettato il suono, segnato, valutato e mixato come un lungometraggio. Lo sviluppo teatrale ci ha dato diversi vantaggi. In primo luogo, posizionare il film interamente su un palcoscenico all'interno di un set cinematografico ha conferito al film un aspetto visivo forte e strano, come se fossimo all'interno di un libro di fiabe. I tecnici del teatro ci hanno anche insegnato effetti visivi pratici semplici ed economici che hanno funzionato sorprendentemente bene sulla telecamera, abbiamo creato una bufera di neve con neve finta e un soffiafoglie! Abbiamo migliorato un po' gli effetti pratici in post, ma confermando di nuovo qeull'atmosfera autentica da favola. Soprattutto, gli attori erano completamente pronti per recitare. Dopo tre settimane di prove teatrali conoscevano i loro personaggi e la storia alla perfezione. Non hanno mai richiesto più di tre riprese per restituirci esattamente quello di cui avevamo bisogno, una grande finezza interpretativa. La recitazione è uno dei grandi punti di forza del film come riconosciuto dal vostro premio come migliore attrice - grazie!

3. Sebbene l'origine teatrale sia evidente, Cold è un'opera che utilizza una direzione e un'interpretazione molto cinematografiche. La parola lascia il posto a sguardi, movimenti, sentimenti che si scatenano all'interno della coppia e dei singoli. Sei d'accordo?

Come delineato sopra, il progetto ha un cuore teatrale ma tutto il resto è puro cinema. Questo aspetto è stato particolarmente importante in quanto non c'è quasi nessun dialogo. La telecamera ci consente di inquadrare una scala crescente di dramma e quindi di concentrarci su piccoli e dettagliati momenti di emozioni complesse. Abbiamo utilizzato un rapporto d'aspetto vincolato di 4:3 per aumentare la sensazione di essere intrappolati nella foresta e per rendere il personaggio piccolo accanto alla verticalità degli alberi che li sovrastano. Abbiamo usato abbondanti quantità di hazer per creare nebbia boschiva e un senso di freddo nelle scene esterne e texture nelle scene interne. Quello che Dominic Bartels, il nostro direttore della fotografia, ha fatto così meravigliosamente è stato creare un'illuminazione unica per ogni singola scena. Non avevamo un aspetto "diurno" e uno "notturno", ma decine di stati di illuminazione diversi che influenzavano la temperatura del colore (e quindi l'atmosfera) in ogni scena. È stato fantastico giocarci in classe. Senza parole, le immagini devono lavorare di più per raccontare la storia. Abbiamo anche suonato la straordinaria colonna sonora di Jonny Pilcher mentre giravamo in modo che il movimento della telecamera potesse catturare la sensazione e la dinamica della musica. Considerando che abbiamo girato tutto su un palcoscenico teatrale in due settimane, siamo rimasti incantati dall'estetica e dal linguaggio visivo che siamo riusciti a creare. Nessun membro del pubblico si è lamentato della quasi totale mancanza di dialogo. Piuttosto il contrario. Comunicare principalmente con le immagini mostra davvero il potere del film come riflesso dell'immaginazione. 

 

4. Tutti gli aspetti della messa in scena sono molto ben rifiniti; in particolare le immagini hanno un'ambientazione e una fotografia in cui è possibile rintracciare echi pittorici. In particolare, alcune sequenze ci hanno ricordato i dipinti du Rubens (Adorazione dei pastori, ad esempio, per la sequenza della sua sofferenza a letto mentre il feto si illumina). Abbiamo torto? Cosa puoi dirci a riguardo?

Usiamo spesso i dipinti come riferimenti sia nel teatro che nel cinema. Prenderemo il tuo confronto con Rubens come un enorme complimento e il secolo è corretto, ma in realtà è stato un pittore italiano, Caravaggio, che abbiamo usato come ispirazione per le scene degli interni.

Molti dei suoi dipinti presentano una fonte di luce audace e ombre ad alto contrasto che sono molto teatrali.

Sembrava giusto per questo "motivo" da favola. Inoltre non ha esitato a rappresentare la violenza e il lato oscuro della natura umana. Abbiamo dovuto addentrarci nell'oscurità in questa storia prima di poter ritrovare la strada per tornare alla luce.

 

 

5. Etuk e Meadows offrono performance convincenti e riescono a tenere un film praticamente da soli. Com'è stato lavorare con loro? 

Sia Janet che Jacob sono stati straordinari, gli attori ideali con cui lavorare. Quando hai una coppia, marito e moglie che scrive e co-dirige un film basato su una tragedia personale... beh agli attori è stato effettivamente chiesto di interpretare il nostro io più profondo! Gli attori minori avrebbero potuto facilmente essere sopraffatti da quel compito, invece loro sono stati all'altezza del compito. Entrambi hanno una formazione in teatro fisico che è stata importante perché, come accennato in precedenza, non c'è quasi nessun dialogo. Hanno lavorato a lungo con Claire (si è formata all'Ecole De Theatre Jacques Lecoq di Parigi, quindi è esperta in questo stile di performance fisica). I tre hanno risposto alla storia scritta improvvisando intere scene di comunicazione non verbale. È stato abbastanza magico vedere la storia emergere dalla loro connessione fisica. Inoltre, il film viaggia in luoghi piuttosto oscuri e ha richiesto una vera forza emotiva e fisica per far avanzare il racconto. Nessuno dei due si è lamentato una volta. Erano disposti a sentire il nostro dolore per trasformarlo in qualcosa di bello. Hanno il nostro rispetto e la nostra amicizia per la vita.

 

Ringraziamo Claire Coaché e Lisle Turner per la loro disponibilità e ci diamo appuntamento a breve per parlare di altri film in rassegna al Sipontum Arthouse International Film Festival. Avremo modo di tornare sul film attraverso un' intervista esclusiva a Janet Etuk, protagonista di Cold e vincitrice del premio come miglior attrice nella sezione lungometraggio, nella recente edizione del SAIFF. Intanto vi lasciamo con le parole della giuria.

Buona prova degli attori, del direttore della fotografia, dello scenografo all'interno di una cornice metateatral-cinematografica efficace. (Antonio Universi)

Ottima fotografia e regìa molto buona ma la parte migliore è l'interpretazione dei due attori che tengono un ottimo livello per tutto il tempo, e non era affatto facile. (Manuela Boccanera) 

Opera dolente che prende spunto da una vicenda personale che ha coinvolto la coppia di registi (e per questo ancora più difficile da dirigere). Regia di livello al servizio di un lavoro messo in piedi con un gusto luministico e pittorico non indifferente. Ottima la scelta del rapporto 4:3 che, oltre a donare maggiore equilibrio all'inquadratura stessa amplificandone l'aspetto pittorico, riesce anche a isolare maggiormente i soggetti dal contesto che li ospita, veicolando l'attenzione dello spettatore ancora più sull'interiorità dei personaggi. Notevole è la prova della coppia di interpreti principali Etuk/Meadows. (Vincenzo Totaro)